Chorus Ensamble CE 5 MARIO ORTEGA

LAS TONALIDADES

Imagina las tonalidades como fiestas temáticas.

Vamos a suponer que ya tienes plan para asistir a una fiesta de "Harry Potter" el próximo fin de semana, pero casualmente, acabas de recibir otra invitación a una fiesta temática ese mismo día, pero esta será de "Star Wars". Si vas a la fiesta de Potter, pues deberás conseguir un disfraz de alguno de los personajes de la saga, del mismo modo que si vas a la de Star Wars. Cada una las sagas tiene un buen de personajes de quienes poder disfrazarse. Entonces, si quieres asistir a ambas fiestas, pues deberás tener dos disfraces porque en este caso, no hay (hasta donde yo sé, no soy muy fan de Potter) un personaje que sea el mismo para ambas sagas... tal vez en otra ocasión, puede ser que te sirva un mismo disfraz, si por ejemplo... hay una fiesta temática de "Marvel" y otra específica de los "X-Men"...

Bien, pero... ¿qué tiene que ver esto con las tonalidades? - Que es muy parecido: las tonalidades tienen un centro tonal y cada centro tonal tiene ciertos acordes que son los que le funcionan de maravilla. La analogía es: el centro tonal es el tema de la fiesta temática y los acordes, las opciones de diferentes personajes de los cuales puedes disfrazarte.

 

Vamos a hacer esto con TRIADAS ¿Tienes dudas acerca de las TRIADAS? Click AQUÍ.

Tomaremos por enésima vez como ejemplo la tonalidad de DO MAYOR, siempre en pro de que te sea más claro.

MI CENTRO TONAL ES DO NATURAL:

Y tiene sus seis acordes: tres menores (rosas); dos mayores (azules); y uno disminuido (verde).

Los grados armónicos de las escalas (o sea, los acordes, pero en relación a el lugar que ocupan dentro de la tonalidad) se representan con NÚMEROS ROMANOS.

• El centro tonal se toma como primer grado armónico y se representa"I".
• El segundo grado armónico se representa como "IIm" (donde la "m" significa que la triada es menor).
• El tercer grado armónico se representa como "IIIm" (también menor).
• El cuarto grado armónico como "IV", el quinto grado armónico como "V".
• El sexto grado armónico como "VIm" (menor también).
• Y por último, el séptimo como "VIIº", en el cual la "bolita" (º) indica que es una triada disminuída.

Veamos:

Y ya ordenando tonalidad por tonalidad, me queda de la siguiente manera:

Considero que son 13 tonalidades, ya que la que tiene como raíz la nota que se encuentra entre FA y SOL es utilizada tanto como FA SOSTENIDO (seis sostenidos), como también SOL BEMOL (seis bemoles).

Mientras tu progresión armónica (los acordes de tu tema) no se salgan de los que pertenecen a la tonalidad, te seguirá funcionando perfectamente la escala mayor de la tonalidad.

PROGRAMANDO MÚSICA CON "REASON"

LA PRACTICIDAD CONVERTIDA EN PROGRAMA

Hace ya algunos años comencé a utlizar este software. Lo primero que me maravilló de este programa es que ¡realmente no necesitas nada más que tu compu para componer o programar música con él!

Antes de "Reason" hace muchos, muchos años y en una galaxia muuuuuy, muy lejana, para programar tenía yo que cargar con:

• CPU
• Teclado de la compu
• Mouse
• Monitor de video (y no eran de pantalla plana)
• Interfase MIDI
• Sintetizador de sonidos
• Un montón de cables (voltaje, midi, audio...)
• Un dispositivo para reproducir el audio. Los audífonos funcionaban siempre y cuando no hubiese necesidad de que otra persona requiriera escuchar también.
• Y cuando el sintetizador fuese solamente el módulo, pues también un controlador (esos que son aparentemente un teclado, pero NO tienen sonidos propios, sino que solamente sirven para dispararlos de un sinte)

Entonces... eso de "vente a mi casa/estudio y aquí lo hacemos" era un bronconón...

El tiempo hizo lo suyo y como era de esperarse, todo en cuestión de tecnología mejoró. Ahora, como les comento, no hay ninguna necesidad de andar cargando con tanto tiliche. Tu lap top y ya. El controlador ayuda bastante a la programación, pero de ninguna manera es necesario para que el programa funcione. Puedes, de manera un poco incómoda prescindir de él para trabajar.

LAS LIBRERÍAS
Reason viene con unas cuantas librerías de sonidos preestablecidas en su versión más económica (sin "Refills" o "librerías"). Pero cuenta con la maravilla de que puedes utilizar librerías adicionales (algunas de ellas realmente de muy buena calidad) y que incluso, puedes samplear tú mismo tus propios sonidos.

LA VERSATILIDAD
No tengo idea de cómo anden otros programas de programación (valga la "rebuznancia") y secuencias en cuanto a este punto, pero con Reason he programado arreglos de pop, electrónica (su mejor área), rock, ranchero, funk e incluso, puedes conseguir las librerías de instrumentos de "banda" (este es un género mexicano de música ranchera en el cual la mayoría de sus integrantes tocan algún instrumento de viento y unos pocos, instrumentos de percusión), que en teoría, son tubas, saxores, trombnes, trompetas y clarinetes, pero con el "toque (entiéndase "ejecución") agresivo" de ese estilo.

OPERACIÓN
Esta parte también está increíble. Ya no se tiene que andar asignado ni cambiando canales midi, así como tampoco canales o bancos en un sintetizador. Solamente creas (insertas) el módulo, seleccionas su sonido, lo nivelas en la mezcladora digital, si quieres le agregas efectos o algunos periféricos y ¡ya está! Si guardaste el proyecto con la configuración y cambios que le hayas realizado, exactamente así se abrirá la próxima vez y ya no tendrás que configurar nada de nuevo. Obviamente, si quieres hacer algunos cambios, tienes que "moverle" otra vez, ya que el programa no te va a adivinar la mente y hacerlo por tí.
Como dato extra, a partir de la versión 4, ya se puede automatizar la velocidad del tema (en BPM) y también la métrica del tema. Si estás igual de dañado que tu servidor (o sea, yo) y de repente se te ocurre meter un compás que tenga una métrica diferente (por ejemplo un 5/4), lo puedes automtizar sin ningún problema.

LA COMPATIBILIDAD
Reason se puede "colgar" como "plug-in". Yo lo hago con Pro Tools, pero he escuchado que hay quien lo cuelga en Cubase o Nuendo. En cuanto a estos dos, no te lo podría decir con certeza, ya que para mi forma de trabajo, Pro Tools llegó para quedarse. Entonces, "lo cuelgas" como si fuera cualquier otro plug-in y el software de grabación lo reproduce. Esto es cómodo pues para "jingles" y trabajos que no son muy remunerados, dejas algunos sonidos del sinte y grabas con instrumentos "de verdad" algunos de los tracks y eso le da muchísima vida. Obviamente, debes considerar que para una producción más profesional, o inviertes en "Refills" o inviertes en músicos reales.


EL PRECIO
400 USD. Sin más librerías que las básicas, claro. Me parece que bajó de precio, pues recuerdo claramente haberlo visto casi en 800 USD.

Y bueno, es lo que se me ocurre por el momento. Aquí te dejo el primero de una serie de videos que estaré subiendo acerca de cómo utilizar y operar este software, los cuales están siendo grabados para mis alumnos de un taller de composición que estoy impartiendo actualmente, pero con gusto los comparto para aprovechar el trabajo y que más personas se benficien con ellos.

Como Seleccionar Una Guitarra Eléctrica

Hola Amigos, el día de hoy les comparto también por este medio el video que acabo de hacer en el cual comparto tips y consejos para hacer una mejor selección cuando vayamos a adquirir una guitarra.

"Como ser buen guitarrista" PASO 2: PRACTICAR

¿Te perdiste el PASO 1?

¿Trabajo o talento...? -Definitivamente, me inclino por el trabajo. Con mis propios ojos y oídos he percibido como personas que no tienen digamos... mucha facilidad para esto de la música logran buenos y hasta excelentes resultados gracias a una ardua y determinada disciplina de trabajo, que personas que vienen ya con esa facilidad heredada en los genes por generaciones y generaciones anteriores de músicos.

"La práctica hace al maestro..." me decía mi madre cuando era yo un puberto. Y efectivamente, concuerdo plenamente con ella. El problema reside en que algunas veces... o no sabemos qué practicar ó no sabemos cómo hacerlo... o algunas veces: ¡ambas! Y ahí es donde entran en acción los dilemas y surgen todo tipo de dudas... ¿qué practico? ¿cómo lo practico? ¿cuánto tiempo practico? son algunas de las preguntas que con frecuencia vienen a nuestra mente a la hora de querer realizar una sesión de practica que nos resulte verdaderamente nutritiva o efectiva. ¿Cómo se llega a "pro"? ¿qué es lo que practican los "pro"?

Bueno, son un montonón de materias, técnicas, ejercicios, pero bueno, voy a tratar de no asustarte y darte un panorama amplio de qué es lo que se necesita. Antes de comenzar, debo comentarte que esto de la guitarra es muuuuy, muuuuy personal e individual, y por ende, no podemos establecer una única secuencia o patrón de práctica para todos. Inclusive si dos guitarristas se dirigieran hacia "donde mismo" (es decir: que tuviesen los mismos ideales y objetivos), aún así sería imposible trazar una misma bitácora de práctica para ambos, ya que probablemente uno de ellos tenga más facilidad para la plumilla que el otro y de la misma manera puede que el segundo tenga más facilidad para los acordes que el primero... pero bien, comencemos la lista de las materias y técnicas que probablemente sean las más necesarias para que todo guitarrista pueda desempeñarse al menos en su forma más primitiva...

Poder tocar la guitarra implica desarrollar dos habilidades: 1. La capacidad o habilidad física para poder hacerlo y, 2. La capacidad creativa y emocional para poder hacerlo.

Enfoquémonos en la capacidad física.

Debemos desarrollar: independencia, fuerza (sobre todo con el dedo meñique), precisión y claro, algo de velocidad. Para esto nos sirven los ejercicios. Una y otra vez hasta lograr la perfección. El metrónomo ayuda en gran manera a lograr esto en menos tiempo. Las técnicas básicas para principiantes son:

• Ejercicios cuadrafónicos.
• Ejercicios de plumilla (preferentemente sin saltos de cuerda).
• Ejercicios de Hammer-On.
• Ejercicios de Pull-Off.
• Ya una vez medio-domesticado el Hammer-On y el Pull-Off, practicamos ejercicios de Legato.

De manera paralela, es importante ir mecanizando las combinaciones de dedos que se volverán nuestro pan de cada día... entonces, debemos practicar escalas. Yo prefiero empezar por las buenísimas escalas pentatónicas, ya que al ser solamente dos notas por cuerda, hacen mucho más sencillo el proceso de adquirir habilidad y precisión con la plumilla a través de las cuerdas. Ya una vez teniendo un poco de control sobre la plumilla y buena limpieza, considero que podemos comenzar a trabajar con las escalas mayores. Y bueno, respecto a la capacidad física cuando ya estés en este punto, ya podrás discernir por tí mismo qué sigue o hacia dónde quieres ir, por ejemplo, decidir si para tí valdrá la pena invertir tu tiempo en técnicas más complicadas como "sweep picking" ó "string skipping" por mencionar algunas. También, ya cuando te encuentres en este punto, ya contarás con la habilidad, experiencia y conocimientos necesarios para empezar a desarrollar la otra capacidad de la cual hablábamos:

"La capacidad creativa y emocional para poder tocar...":

Si nos ponemos literales con eso de que debemos desarrollar esta capacidad para poder tocar y que de otra manera no podríamos hacerlo, pues, ciertamente sería una mentira. No necesitamos tal capacidad para que la guitarra reproduzca sonido, o sea que no necesitamos esta capacidad para tañer sus cuerdas y poder tocar una melodía, un rasgueo o un acompañamiento, pero sí la necesitamos para que esas melodías, rasgueos o acompañamientos puedan conectar a las personas con nosotros, para hacerle sentir "algo" a nuestro público o a nuestros compañeros, que al final, es de lo que se trata esto y eso es lo que personalmente considero que es "tocar".

¿Y cómo se desarrolla esto? -El primer paso es: empezar por dejarte ser libre tú mismo. ¿Libre de qué? -De permitirte sacar y compartir por medio de tu guitarra todas esas emociones que andas cargando. ¿Te enamoraste? -Tócalo. ¿Te batearon? -¡Pues también tócalo! ¿Te conmovió algo? ¿Te inspiró algo? ¿Se te murió un familiar? ¿Te asaltaron? ¿Te hicieron enojar? Todas esas emociones se purifican y terminan siendo algo muy bueno al convertirse en música. La música es un lenguaje y como tal, lo más importante es comunicar o tener algo que decir.

Y así, cuando menos acuerdes, al desarrollar estas habilidades ya estarás "tocando". Tocando, o sea: haciendo sonar el instrumento y con ello, tocando las fibras emocionales más sensibles y delicadas de quienes te escuchen, para quienes sin saber cómo o por qué, se volverá un placer y buscarán la oportunidad de hacerlo nuevamente. Y de esa manera empezará tu prestigio como un guitarrista que es recordado por "cómo toca" en vez de por "cuán rápido (o sorprendente) toca"... 

EL INDICADOR DE COMPÁS

Al principio de una partitura, después de la clave y de la armadura se encuentran un par de números como número fraccionario (o fracción quebrada de matemáticas). Eso es el indicador de compás. Hay quien le llama "metro", "métrica", "conductor" o simplemente "compás". ¿Para qué sirve? Bueno, en eso voy a enfocar este post.

Ese par de números el tamaño y división de los acentos del compás. ¿Cómo está eso? El número de arriba nos indica la cantidad de "beats" o pulsos de nuestro compás. El número de abajo indica la figura musical que marca la unidad o subdivisión de ése pulso.

El número de arriba puede ser cualquier número, dependiendo del tamaño de nuestro compás. Ese número indica por cuántas figuras "de abajo" está formado nuestro compás:

El número de abajo, representa la figura musical a la cual corresponde la unidad o la subdivisión del pulso, siendo los valores como se describen a continuación:

De modo que si nos encontramos un indicador de compás que tenga el número dos "abajo", será entonces un compás de "medios". O sea, si tenemos 2/2, se lee "dos medios"; 4/2 es "cuatro medios" y así sucesivamente. Los compases formados con "medios" son frecuentes en la música latina y se leen al doble de velocidad.

Si nos encontramos un indicador de compás que tenga el número "4" abajo, significa que el compás estará subdivido en negras, de modo que "2/4" es "dos cuartos" y significa "dos pulsos de negra"; "3/4" es "tres cuartos y significa "tres pulsos de negra"; "4/4" es "cuatro cuartos" y significa "cuatro pulsos de negra"; y así sucesivamente. 

Si nos encontramos un indicador de compás que tenga un "8" abajo, significa que tenemos un compás cuyo beat se subdivide en octavos, siendo por lo general agrupados de tres en tres. A estos compases se les denomina "compuestos". "6/8" es "seis octavos" y son seis pulsos de octavo (generalmente acentuados o distribuidos como dos grupos de tres octavos); "9/8" es "nueve octavos" y son nueve pulsos de octavo (generalmente acentuados o distribuidos como tres grupos de tres); "12/8" es "doce octavos" y son doce pulsos de octavo (generalmente acentuados o distribuidos como cuatro grupos de tres).

Y esos son los compases más comunes. Sobre todo en la música popular o comercial. Hay otro tipo de compases compuestos con tamaños y acentuaciones que ya no son tan comunes y podría decirse que completamente desconocidos para quien solamente gusta de la música comercial o popular. obedecen el mismo principio, y el número de abajo no puede ser otro que no sea 2, 4, 8, 16, 32 o en casos extremos: 64 (yo nunca me he encontrado ni siquiera con un indicador de compás que tenga un un "32" abajo, ¡y mucho menos un "64"). Si quieres escuchar algo de material que tenga este tipo de métricas compuestas o como les llaman por ahí "irregulares", escucha bandas como "Yes", "Rush", "King Crimson", "Dream Theater", por mencionar algunos ejemplos. ¡Es oooootro mundo!

Ejercicios con Escalas Pentatónicas - Ejercicio 6 de 15

Éste ejercicio es muy parecido al ejercicio anterior (ejercicio 5), pero ahora, el patrón retrógrado tiene seis notas en vez de cuatro. Se trabaja de la siguiente manera:

Son grupos de tres cuerdas con dos notas cada uno. Se toca la  nota más grave de la sexta cuerda hacia abajo y luego la más aguda hacia arriba; luego se toca la nota más grave de la quinta cuerda hacia abajo y luego la más aguda hacia arriba, por último; se toca la nota más grave de la cuarta cuerda hacia abajo y luego la nota más aguda hacia arriba. Después se hace lo mismo con los tres grupos de cuerdas restantes: quinta-cuarta-tercera, cuarta-tercera-segunda, y tercera-segunda-primera.

Para la parte descendente, se invierte completamente el orden de las notas, siendo la nota más aguda de la primera cuerda atacada hacia abajo y luego la más grave hacia arriba; después la nota más aguda de la segunda cuerda se ataca hacia abajo y luego la nota más grave hacia arriba, y por último; se toca la nota más aguda de la tercera cuerda hacia abajo y luego la nota más grave hacia arriba. Después se repite el patrón en los tres grupos de cuerdas siguientes: segunda-tercera-cuarta, tercera-cuarta-quinta, y cuarta-quinta-sexta.

EJERCICIO 6 DE 15

FORMA 4E

FORMA 1E

FORMA 1D

FORMA 3A

FORMA 1A

IR AL EJERCICIO 1 DE 15

IR AL EJERCICIO 2 DE 15

IR AL EJERCICIO 3 DE 15

IR AL EJERCICIO 4 DE 15

IR AL EJERCICIO 5 DE 15