Los famosos acordes "DROP 2"... En el video está, creo yo, muy bien explicado. De cualquier manera, "drop" significa pasar a la octava inferior alguna nota en específico. "Drop 2" significa bajar a la octava la segunda nota más aguda del acorde.
Hace ya algunos años comencé a utlizar este software. Lo primero que me maravilló de este programa es que ¡realmente no necesitas nada más que tu compu para componer o programar música con él!
Antes de "Reason" hace muchos, muchos años y en una galaxia muuuuuy, muy lejana, para programar tenía yo que cargar con:
CPU
Teclado de la compu
Mouse
Monitor de video (y no eran de pantalla plana)
Interfase MIDI
Sintetizador de sonidos
Un montón de cables (voltaje, midi, audio...)
Un dispositivo para reproducir el audio. Los audífonos funcionaban siempre y cuando no hubiese necesidad de que otra persona requiriera escuchar también.
Y cuando el sintetizador fuese solamente el módulo, pues también un controlador (esos que son aparentemente un teclado, pero NO tienen sonidos propios, sino que solamente sirven para dispararlos de un sinte)
Entonces... eso de "vente a mi casa/estudio y aquí lo hacemos" era un bronconón...
El tiempo hizo lo suyo y como era de esperarse, todo en cuestión de tecnología mejoró. Ahora, como les comento, no hay ninguna necesidad de andar cargando con tanto tiliche. Tu lap top y ya. El controlador ayuda bastante a la programación, pero de ninguna manera es necesario para que el programa funcione. Puedes, de manera un poco incómoda prescindir de él para trabajar.
LAS LIBRERÍAS
Reason viene con unas cuantas librerías de sonidos preestablecidas en su versión más económica (sin "Refills" o "librerías"). Pero cuenta con la maravilla de que puedes utilizar librerías adicionales (algunas de ellas realmente de muy buena calidad) y que incluso, puedes samplear tú mismo tus propios sonidos.
LA VERSATILIDAD
No tengo idea de cómo anden otros programas de programación (valga la "rebuznancia") y secuencias en cuanto a este punto, pero con Reason he programado arreglos de pop, electrónica (su mejor área), rock, ranchero, funk e incluso, puedes conseguir las librerías de instrumentos de "banda" (este es un género mexicano de música ranchera en el cual la mayoría de sus integrantes tocan algún instrumento de viento y unos pocos, instrumentos de percusión), que en teoría, son tubas, saxores, trombnes, trompetas y clarinetes, pero con el "toque (entiéndase "ejecución") agresivo" de ese estilo.
OPERACIÓN
Esta parte también está increíble. Ya no se tiene que andar asignado ni cambiando canales midi, así como tampoco canales o bancos en un sintetizador. Solamente creas (insertas) el módulo, seleccionas su sonido, lo nivelas en la mezcladora digital, si quieres le agregas efectos o algunos periféricos y ¡ya está! Si guardaste el proyecto con la configuración y cambios que le hayas realizado, exactamente así se abrirá la próxima vez y ya no tendrás que configurar nada de nuevo. Obviamente, si quieres hacer algunos cambios, tienes que "moverle" otra vez, ya que el programa no te va a adivinar la mente y hacerlo por tí.
Como dato extra, a partir de la versión 4, ya se puede automatizar la velocidad del tema (en BPM) y también la métrica del tema. Si estás igual de dañado que tu servidor (o sea, yo) y de repente se te ocurre meter un compás que tenga una métrica diferente (por ejemplo un 5/4), lo puedes automtizar sin ningún problema.
LA COMPATIBILIDAD
Reason se puede "colgar" como "plug-in". Yo lo hago con Pro Tools, pero he escuchado que hay quien lo cuelga en Cubase o Nuendo. En cuanto a estos dos, no te lo podría decir con certeza, ya que para mi forma de trabajo, Pro Tools llegó para quedarse. Entonces, "lo cuelgas" como si fuera cualquier otro plug-in y el software de grabación lo reproduce. Esto es cómodo pues para "jingles" y trabajos que no son muy remunerados, dejas algunos sonidos del sinte y grabas con instrumentos "de verdad" algunos de los tracks y eso le da muchísima vida. Obviamente, debes considerar que para una producción más profesional, o inviertes en "Refills" o inviertes en músicos reales.
EL PRECIO
400 USD. Sin más librerías que las básicas, claro. Me parece que bajó de precio, pues recuerdo claramente haberlo visto casi en 800 USD.
Y bueno, es lo que se me ocurre por el momento. Aquí te dejo el primero de una serie de videos que estaré subiendo acerca de cómo utilizar y operar este software, los cuales están siendo grabados para mis alumnos de un taller de composición que estoy impartiendo actualmente, pero con gusto los comparto para aprovechar el trabajo y que más personas se benficien con ellos.
¿Trabajo o talento...? -Definitivamente, me inclino por el trabajo. Con mis propios ojos y oídos he percibido como personas que no tienen digamos... mucha facilidad para esto de la música logran buenos y hasta excelentes resultados gracias a una ardua y determinada disciplina de trabajo, que personas que vienen ya con esa facilidad heredada en los genes por generaciones y generaciones anteriores de músicos.
"La práctica hace al maestro..." me decía mi madre cuando era yo un puberto. Y efectivamente, concuerdo plenamente con ella. El problema reside en que algunas veces... o no sabemos qué practicar ó no sabemos cómo hacerlo... o algunas veces: ¡ambas! Y ahí es donde entran en acción los dilemas y surgen todo tipo de dudas... ¿qué practico? ¿cómo lo practico? ¿cuánto tiempo practico? son algunas de las preguntas que con frecuencia vienen a nuestra mente a la hora de querer realizar una sesión de practica que nos resulte verdaderamente nutritiva o efectiva. ¿Cómo se llega a "pro"? ¿qué es lo que practican los "pro"?
Bueno, son un montonón de materias, técnicas, ejercicios, pero bueno, voy a tratar de no asustarte y darte un panorama amplio de qué es lo que se necesita. Antes de comenzar, debo comentarte que esto de la guitarra es muuuuy, muuuuy personal e individual, y por ende, no podemos establecer una única secuencia o patrón de práctica para todos. Inclusive si dos guitarristas se dirigieran hacia "donde mismo" (es decir: que tuviesen los mismos ideales y objetivos), aún así sería imposible trazar una misma bitácora de práctica para ambos, ya que probablemente uno de ellos tenga más facilidad para la plumilla que el otro y de la misma manera puede que el segundo tenga más facilidad para los acordes que el primero... pero bien, comencemos la lista de las materias y técnicas que probablemente sean las más necesarias para que todo guitarrista pueda desempeñarse al menos en su forma más primitiva...
Poder tocar la guitarra implica desarrollar dos habilidades: 1. La capacidad o habilidad física para poder hacerlo y, 2. La capacidad creativa y emocional para poder hacerlo.
Enfoquémonos en la capacidad física.
Debemos desarrollar: independencia, fuerza (sobre todo con el dedo meñique), precisión y claro, algo de velocidad. Para esto nos sirven los ejercicios. Una y otra vez hasta lograr la perfección. El metrónomo ayuda en gran manera a lograr esto en menos tiempo. Las técnicas básicas para principiantes son:
Ya una vez medio-domesticado el Hammer-On y el Pull-Off, practicamos ejercicios de Legato.
De manera paralela, es importante ir mecanizando las combinaciones de dedos que se volverán nuestro pan de cada día... entonces, debemos practicar escalas. Yo prefiero empezar por las buenísimas escalas pentatónicas, ya que al ser solamente dos notas por cuerda, hacen mucho más sencillo el proceso de adquirir habilidad y precisión con la plumilla a través de las cuerdas. Ya una vez teniendo un poco de control sobre la plumilla y buena limpieza, considero que podemos comenzar a trabajar con las escalas mayores. Y bueno, respecto a la capacidad física cuando ya estés en este punto, ya podrás discernir por tí mismo qué sigue o hacia dónde quieres ir, por ejemplo, decidir si para tí valdrá la pena invertir tu tiempo en técnicas más complicadas como "sweep picking" ó "string skipping" por mencionar algunas. También, ya cuando te encuentres en este punto, ya contarás con la habilidad, experiencia y conocimientos necesarios para empezar a desarrollar la otra capacidad de la cual hablábamos:
"La capacidad creativa y emocional para poder tocar...":
Si nos ponemos literales con eso de que debemos desarrollar esta capacidad para poder tocar y que de otra manera no podríamos hacerlo, pues, ciertamente sería una mentira. No necesitamos tal capacidad para que la guitarra reproduzca sonido, o sea que no necesitamos esta capacidad para tañer sus cuerdas y poder tocar una melodía, un rasgueo o un acompañamiento, pero sí la necesitamos para que esas melodías, rasgueos o acompañamientos puedan conectar a las personas con nosotros, para hacerle sentir "algo" a nuestro público o a nuestros compañeros, que al final, es de lo que se trata esto y eso es lo que personalmente considero que es "tocar". ¿Y cómo se desarrolla esto? -El primer paso es: empezar por dejarte ser libre tú mismo. ¿Libre de qué? -De permitirte sacar y compartir por medio de tu guitarra todas esas emociones que andas cargando. ¿Te enamoraste? -Tócalo. ¿Te batearon? -¡Pues también tócalo! ¿Te conmovió algo? ¿Te inspiró algo? ¿Se te murió un familiar? ¿Te asaltaron? ¿Te hicieron enojar? Todas esas emociones se purifican y terminan siendo algo muy bueno al convertirse en música. La música es un lenguaje y como tal, lo más importante es comunicar o tener algo que decir. Y así, cuando menos acuerdes, al desarrollar estas habilidades ya estarás "tocando". Tocando, o sea: haciendo sonar el instrumento y con ello, tocando las fibras emocionales más sensibles y delicadas de quienes te escuchen, para quienes sin saber cómo o por qué, se volverá un placer y buscarán la oportunidad de hacerlo nuevamente. Y de esa manera empezará tu prestigio como un guitarrista que es recordado por "cómo toca" en vez de por "cuán rápido (o sorprendente) toca"...
Al principio de una partitura, después de la clave y de la armadura se encuentran un par de números como número fraccionario (o fracción quebrada de matemáticas). Eso es el indicador de compás. Hay quien le llama "metro", "métrica", "conductor" o simplemente "compás". ¿Para qué sirve? Bueno, en eso voy a enfocar este post.
Ese par de números el tamaño y división de los acentos del compás. ¿Cómo está eso? El número de arriba nos indica la cantidad de "beats" o pulsos de nuestro compás. El número de abajo indica la figura musical que marca la unidad o subdivisión de ése pulso.
El número de arriba puede ser cualquier número, dependiendo del tamaño de nuestro compás. Ese número indica por cuántas figuras "de abajo" está formado nuestro compás:
El número de abajo, representa la figura musical a la cual corresponde la unidad o la subdivisión del pulso, siendo los valores como se describen a continuación:
De modo que si nos encontramos un indicador de compás que tenga el número dos "abajo", será entonces un compás de "medios". O sea, si tenemos 2/2, se lee "dos medios"; 4/2 es "cuatro medios" y así sucesivamente. Los compases formados con "medios" son frecuentes en la música latina y se leen al doble de velocidad.
Si nos encontramos un indicador de compás que tenga el número "4" abajo, significa que el compás estará subdivido en negras, de modo que "2/4" es "dos cuartos" y significa "dos pulsos de negra"; "3/4" es "tres cuartos y significa "tres pulsos de negra"; "4/4" es "cuatro cuartos" y significa "cuatro pulsos de negra"; y así sucesivamente.
Si nos encontramos un indicador de compás que tenga un "8" abajo, significa que tenemos un compás cuyo beat se subdivide en octavos, siendo por lo general agrupados de tres en tres. A estos compases se les denomina "compuestos". "6/8" es "seis octavos" y son seis pulsos de octavo (generalmente acentuados o distribuidos como dos grupos de tres octavos); "9/8" es "nueve octavos" y son nueve pulsos de octavo (generalmente acentuados o distribuidos como tres grupos de tres); "12/8" es "doce octavos" y son doce pulsos de octavo (generalmente acentuados o distribuidos como cuatro grupos de tres).
Y esos son los compases más comunes. Sobre todo en la música popular o comercial. Hay otro tipo de compases compuestos con tamaños y acentuaciones que ya no son tan comunes y podría decirse que completamente desconocidos para quien solamente gusta de la música comercial o popular. obedecen el mismo principio, y el número de abajo no puede ser otro que no sea 2, 4, 8, 16, 32 o en casos extremos: 64 (yo nunca me he encontrado ni siquiera con un indicador de compás que tenga un un "32" abajo, ¡y mucho menos un "64"). Si quieres escuchar algo de material que tenga este tipo de métricas compuestas o como les llaman por ahí "irregulares", escucha bandas como "Yes", "Rush", "King Crimson", "Dream Theater", por mencionar algunos ejemplos. ¡Es oooootro mundo!
Éste ejercicio es muy parecido al ejercicio anterior (ejercicio 5), pero ahora, el patrón retrógrado tiene seis notas en vez de cuatro. Se trabaja de la siguiente manera:
Son grupos de tres cuerdas con dos notas cada uno. Se toca la nota más grave de la sexta cuerda hacia abajo y luego la más aguda hacia arriba; luego se toca la nota más grave de la quinta cuerda hacia abajo y luego la más aguda hacia arriba, por último; se toca la nota más grave de la cuarta cuerda hacia abajo y luego la nota más aguda hacia arriba. Después se hace lo mismo con los tres grupos de cuerdas restantes: quinta-cuarta-tercera, cuarta-tercera-segunda, y tercera-segunda-primera.
Para la parte descendente, se invierte completamente el orden de las notas, siendo la nota más aguda de la primera cuerda atacada hacia abajo y luego la más grave hacia arriba; después la nota más aguda de la segunda cuerda se ataca hacia abajo y luego la nota más grave hacia arriba, y por último; se toca la nota más aguda de la tercera cuerda hacia abajo y luego la nota más grave hacia arriba. Después se repite el patrón en los tres grupos de cuerdas siguientes: segunda-tercera-cuarta, tercera-cuarta-quinta, y cuarta-quinta-sexta.
Este es un ejercicio de los que se denominan "retrógrados" (o "retros" para los cuates). Esto significa que es un patrón el cual repite la misma dinámica ya sea melódica, técnica o mecánicamente en diversos grados de la escala.
Bien, para este ejercicio el patrón es tocar cuatro diferentes notas de la escala en orden ascendente para "subir por la guitarra" (o sea: de grave a agudo) tomando como "nota 1" la nota más grave de la forma a practicar, la cual se ejecutará hacia abajo; luego la "nota 2" será la nota más aguda de ésa misma cuerda atacada hacia arriba; luego la "nota 3" será la nota más grave de la cuerda que está abajo atacada hacia abajo y por último; la "nota 4" será la otra nota de la cuerda en la cual tocamos la "nota 3" atacada hacia arriba. Lego repetimos el patrón en las dos cuerdas inferiores y así, sucesivamente hasta terminar la forma.
Para el regreso, invertimos completamente el sentido melódico del patrón. Las direcciones del ataque se mantienen de modo que cada primera nota de cada cuerda deberá ser atacada hacia abajo.
Este ejercicio es muy parecido al Ejercicio 3, sólo que al revés. Ahora tocamos primero la nota más aguda, después la más grave, luego nuevamente la más aguda y para terminar, la más grave. Después repetimos la dinámica en todas las demás cuerdas.
Cada una de las formas de la escala pentatónica tiene dos notas por cuerda. El Ejercicio 3 consiste en tocar la nota más grave de una cuerda, luego la nota más aguda de esa misma cuerda, después nuevamente la nota más grave y luego, nuevamente la nota más aguda. Después de haber tocado las cuatro notas, repetimos la dinámica en todas las demás cuerdas.
En este ejercicio tocaremos dos veces consecutivas la misma nota, pero, la primera vez la atacamos hacia abajo y la segunda vez la atacamos hacia arriba. Está muy sencillo.
¡Hola amigos! Espero que le hayan estado dando sabrosote a la guitarra en estas vacaciones que acaban de pasar.
Aprovechando que ya tengo manera de capturar con mejor precisión el audio de mis videos didácticos, voy a compartirles los quince ejercicios de Escala Pentatónica de mi libro: "GUITARRA I".
Comencemos, obviamente por el principio. El ejercicio 1 no es otra cosa que tocar una vez cada nota de la escala, primero ascendente hasta llegar a la nota más aguda de la forma, para luego regresarnos de ahí mismo en orden descendente. Es una mezcla de "ejercicio" y "reconocimiento de la escala".
Si no conoces las formas, o no todas ellas, o simplemente no tienes un panorama claro de "qué son", las puedes encontrar aquí.
Continuamos con las series de ejercicios de plumilla a una cuerda. Si te perdiste la parte 1, puedes acceder a ella haciendo click AQUÍ.
En esta nueva serie tenemos las combinaciones de dos notas consecutivas en el mismo trasto, las cuales, cada nota y su repetición serán pisadas con el mismo dedo. Observa con atención la digitación para el cambio de posición cada tres notas.
En esta nueva serie de ejercicios expondré bastantes combinaciones de ejercicios a una cuerda de patrones de 6 notas por tiempo en los cuales únicamente se pisaremos determinadas notas. Vamos a enfocarnos cuidadosamente en los siguientes puntos:
Precisión absoluta en el tiempo.
Articulación: todas y cada una de las notas deben ser apreciadas con excelente claridad, en especial las notas con cuerdas al aire que siguen de las notas que sí pisamos.
EN ESTE MOMENTO ME ENCUENTRO GRABANDO LOS RESPECITVOS VIDEOS, PERO EN CUANTO LOS SUBA A MI CANAL DE YOUTUBE, LOS AGREGARÉ A LA ENTRADA DEL BLOG.
En esta primera sección nos enfocaremos en todas las combinaciones de patrones de 6 notas que llevan una sola nota pisada de esas 6.
Bueno, empecemos por entender el significado de "calibre". La definición de calibre es: Diámetro interior de un objeto cilíndirico o hueco.
Entonces, "calibre de las cuerdas se refiere al espesor o grueso de las cuerdas". Como guitarristas (y también para cualquier otro instrumentista de la familia de las cuerdas), el grueso de nuestras cuerdas tiene crucial repercusión en dos aspectos sumamente importantes:
1. LA TENSIÓN DE NUESTRAS CUERDAS.
Esto no es otra cosa, que cuán duras o blandas se sienten nuestras cuerdas. Si usamos un calibre grueso, nuestras cuerdas se sentirán más duras y deberemos de ejercer más presión para poder ejecutarlas limpiamente; y por el contrario, si usamos un calibre delgado, nuestras cuerdas se sentirán más blandas y no requeriremos de tanta presión para hacerlas sonar.
Muchas veces la explicación acerca del calibre de las cuerdas termina aquí, pero yo, como siempre, me siento obligado a compartir lo que la experiencia me ha enseñado, incitándome a ir más allá y no conformarme con las explicaciones simples.
Decíamos que la explicación común acerca del calibre es: "con calibres gruesos le batallas mas para pisar las cuerdas que con calibres delgados" y tan-tan. Y sí, estoy de acuerdo, pero eso es solo el principio.
A parte de la comodidad, debemos tener en cuenta que la tensión de las cuerdas no solamente la sufren y soportan nuestros dedos, sino también la guitarra, y siendo esta tensión final la suma de todas las tensiones individuales de cada una de nuestras cuerdas. Esa "tensión total" tal vez la podemos percibir cuando tocamos cejillas, pero tal vez sean solamente unas cuantas cejillas a lo largo de un tema, o tal vez si sea un tema completo tocado solamente con acordes de cejilla, pero, aún así, nuestra guitarra nos superará, pues ella soporta esa tensión todo el tiempo. Haciendo hincapié en las consecuencias que nos puede acarrear esa tensión se me ocurren dos:
Que nuestro trastero o diapasón se curve hacia adelante (calibre más grueso) o hacia atrás (calibre más delgado). Esto no representa ningún problema, ya que con un pequeño ajuste al alma eso queda solucionado.
En caso de puente flotante o semi-flotante (con puentes fijos no tenemos este problema): Que nuestro puente se levante (calibre más grueso) o se hunda (calibre más delgado). Esto tampoco es un gran problema. También se soluciona con un pequeño ajuste, pero vale la pena mencionar que: ¡cómo asusta a los novatos que el puente de su guitarra se levante!. Este detallito del puente levantado o caído se soluciona compensando la tensión de las cuerdas y precisamente para ello ha sido implementado el mecanismo que tienen las guitarras en la parte posterior, y funciona de la siguiene manera:
Hay una tapa. Quitas la tapa y encuentras que la madera tiene un corte rectangular en el cual resaltan a la vista tres cosas: una pieza metálica con agujeritos (que es por donde se ponen las cuerdas); unos resortes que están incrustados en esta pieza y del otro lado están sujetos a la tercera cosa que resalta: una plaquita que tiene un par de tornillos "atornillados a la madera". Bien, ése par de "tornillos atornillados" junto con los resortes, son el mecanismo diseñado para mantener el balance en la tensión del puente. Si tu puente se ha levantado demasiado, deberás apretar los "tornillos atornillados" para que entren más a la madera y por consecuencia generen más tensión para compensar la tensión que está levantando el puente. PERO: ¡¡¡no olvides aflojar un poco las cuerdas antes de atornillar los "tornillos atornillados"!!! Ya cuando tu cálculo te diga que ha sido suficiente vuelta como para compensar la tensión, vuelves a afinar (¡híjole! ¿otra vez afinar el puente flotante???). Y bueno, ése es el procedimiento.
¿Te faltó? Repite el procedimiento (con todo y el proceso de afinar).
¿Te faltó, otra vez? Repite OTRA VEZ TODO el procedimiento.
¿Te pasaste? Repite otra vez el procedimiento, pero en vez de apretar los "tornillos atornillados", aflójalos.
Y así... hasta que quede. Sí, estoy de acuerdo que es una soberana joda... pero... ¿querías puente flotante, no? Digo, nadamás para registro, esa es UNA de las razones por las cuales yo no uso puente flotante. XD
Bueno, vamos ahora al que es el otro aspecto sumamente importante: 2. LA TEXTURA DEL SONIDO. Para mí, éste es el aspecto que es REALMENTE IMPORTANTE en cuanto al calibre. ¿Por qué? -¡Porque la textura del sonido lo es todo, hermanito! La textura del sonido de la guitarra, es exactamente como el timbre de voz de los cantantes. La gran diferencia es que ellos no lo pueden cambiar (lo pueden fingir, como Chabelo, Cepillín, y los que cambian su voz natural por voz nasal para poder cantar igual que los "cantantes de banda"), pero nosotros sí. Una misma guitarra suena muy diferente con calibres delgados que con calibres gruesos. ¿Por qué crees que los guitarristas de Jazz suenan con todo ese "cuerpesote"? -Porque traen calibres 11's ó 12's. ¿Has tratado de tocar una guitarra de un Jazzista? Sí, si representa un reto mayor tocar con calibres más gruesos, sobre todo a la hora de los bendings. Pero sacrificar la comodidad a cambio de un exquisita textura, cálida, con cuerpo, robusta, "ponchada"... es un precio que algunos guitarristas estamos dispuestos a pagar. Hace 15, o 10 años solamente podías encontrar variedad de opciones en ciudades grandes, pero actualmente ya puedes encontrar buenas marcas en una gran diversidad de calibres casi en cualquier ciudad, y si no, pues las ventas por Internet son lo de hoy.
Como dato extra: las cuerdas de calibre delgado son propensas a romperse más fácilmente que las de calibre grueso (que también se rompen, claro, pero mucho menos).
Y otro dato extra: si frecuentemente se te rompen las cuerdas de los puntos de apoyo, ya sea del puente o de la cejuela (el plástico que está entre los trastos y la cabeza), es probable que tengas una superficie o rebaba filosa. Si no la puedes limar o pulir tu mism@, llévala con personal calificado.
